Le llevó mucho tiempo reunir el coraje para hacerlo. Aunque quiso dejar constancia en gran formato de sus experiencias trabajando en un restaurante inglés antes de iniciar su carrera como cineasta, Alonso Ruizpalasiones se vio interrumpido por otros proyectos que llamaron su atención.
No estuvo mal, por supuesto. Su primer largometraje, Güeros (2014), centrado en la búsqueda física y espiritual de algunos jóvenes en la Ciudad de México, sigue siendo una de las obras importantes del cine latinoamericano contemporáneo. El siguiente “Museo” (2018) le permitió contar con la ayuda del soñador Gael García Bernal para recrear el famoso atentado en la vida real. El tercero, Cop Movie (2021), una mezcla de documental y ficción de acción, se estrenó en todo el mundo en Netflix.
Pero existe el encanto de la cuarta vez, y por eso Ruizpalacios logra mostrarnos La cocina, una obra sobre injusticias y pasiones alimentadas por el calor bajo la apariencia de un romance intercultural. Bienvenidos al restaurante neoyorquino, en referencia a la famosa obra del escritor estadounidense Arnold Wesker, publicada en 1957 y llamada The Kitchen.
La película se podrá ver en el Festival de Cine de GuadaLAjara el 2 de noviembre, pero en realidad tendrá un lanzamiento comercial este viernes en Laemmle Monica en Santa Mónica. No necesitábamos más motivos para contactar al director para realizar la entrevista debidamente editada y condensada a continuación.
Alonso, esta película está directamente relacionada con tus inicios, más precisamente con tu primer cortometraje de ficción Café Paraíso (2008), que ya aborda el tema de las cocinas y las situaciones inapropiadas en Estados Unidos. se encuentran sus trabajadores. ¿Por qué decidiste retomar esta idea?
Hacía tiempo que no pensaba en este cortometraje, pero es cierto que tiene el mismo ADN que esta película, que a su vez le debe mucho al trabajo de Arnold Wesker, así como a mi propia experiencia como trabajador en algún lugar. . Se llama London Rainforest Café.
Trabajar con este ritmo vertiginoso, con esta presión, junto con los personajes coloridos que suelen estar presentes en las cocinas, me impresionó mucho. Originalmente tenía la intención de que esta fuera mi primera película, pero hasta ahora no he podido conseguir un guión que me guste lo suficiente.
Trabajaste en una cocina mientras tenías una beca para estudiar teatro, lo que me lleva a suponer que querías ser actor y que hiciste lo que hacías antes de conseguir todos los papeles pretendiendo ser actor.
Es un cliché porque es muy común que te permitan trabajar “a tiempo parcial”, yendo y viniendo, a veces alternando días. Primero comencé en la cocina y luego me convertí en camarero, lo que me permitió ver un poco de ambos lados. Fue fascinante porque los personajes son apasionantes; Por un lado, son muy venenosos, violentos y agresivos, pero por otro, son muy coloridos y capaces de mostrar un gran nivel de amistad.
Alonso Ruizpalacios tomó la fotografía.
(Villa)
Esto te ha ayudado mucho a la hora de crear una historia, porque esta serie de contrastes le da vida y variedad a lo que tienes que decir.
El lugar donde trabajaba era un auténtico crisol de culturas. La película está basada en el trabajo de Wesker, pero también está en gran medida separada de él porque escribí sobre personas que conozco. Por ejemplo, el personaje de Samira, que es franco-marroquí, era franco-argelina en la vida real.
Cuando yo trabajaba allí había un señor que se llamaba Pedro. Era de esas personas con energía ilimitada, cuando llega el “descanso” y siguen deambulando buscando pelea. La película es un homenaje a la gente que trabaja en la cocina y a la gente de mi país, especialmente a los inmigrantes indocumentados.
¿Te expresaste de alguna manera a través de alguno de los personajes de la historia?
Creo que si tuviera que conocer a alguien, conocería a Estela, una recién llegada, abrumada y agobiada por lo que está pasando.
Hablas del personaje interpretado por Anna Diaz. Quería decirte que también actúa como la mirada del espectador.
Claramente. Esto nos introduce a la cocina, a la que literalmente entramos por la puerta trasera porque cuando intenta entrar por la delantera, nos dicen que no.
Llamas a muchos personajes, a muchos actores, para expresar todas estas cosas. Los “Güeros” tuvieron algunas escenas de equipo, pero es lo más ambicioso que has hecho en esos términos, ¿no? Porque estudiaste actuación, pero no desarrollaste esta profesión.
Hice un pequeño papel en el teatro, la televisión y el cine, pero pronto lo dejé. En realidad siempre quise dirigir; La actuación fue una excusa para acercarse a la dirección. Quería hablar el idioma de los actores, aprender el teatro desde dentro.
En este caso, tuvimos un tiempo de ensayo fuerte: cuatro semanas antes del rodaje. Esto nos permitió improvisar mucho, lo que realmente logró que los actores se involucraran en sus personajes cuando comenzamos a filmar. De cualquier manera, fue difícil no dejar a ninguno de los personajes e interactuar con todos ellos; pero fue una prueba muy interesante.
En el juego de Wesker, la cocinera era alemana y la camarera de la que se enamoraba era inglesa. Aquí él es mexicano y ella es americana. ¿Cómo fue el proceso de casting? Ya trabajaste con Raúl Briones, quien protagonizó Cop Movie, pero también protagonizó Gueros, ¿no?
Sí, tuvo un pequeño papel en la película Güeros. También actuamos juntos en muchos teatros. Raoul es un actor en quien confío mucho. Sé que no se pone límites, pone todo su esfuerzo en cada disparo. Quería que fuera Pedro porque necesitaba un personaje que fuera exagerado, no aburrido.
Hace tiempo que admiro el trabajo de Rooney Mara. La considero una de las actrices más interesantes de su generación. Es muy inteligente, muy sensible y alguien que ha tomado decisiones interesantes en su carrera. Mientras terminaba de escribir, vi su cara y decidí que tenía que ser él.
Le escribí una carta y fue como enviarle un mensaje en una botella porque ya había hecho cosas similares antes, pedirle a Roger Waters los derechos musicales o algo así, y nunca me respondieron; pero lo hizo. Creo que es porque es una carta muy sincera, muy sincera. Le envié el guión, le gustó y le pedí que me mostrara mis otras películas.
Fue su primera aparición en México.
Sí, creo que es la primera vez que he estado en México. He estado en la playa o algo así, pero no en la Ciudad de México.
Esta película defiende los derechos de los trabajadores pero no los retrata como seres divinos. Pedro siempre está bebiendo, y la mayoría de la gente en esta cocina bebe. En el caso de Wesker ocurre lo mismo, por lo que parece ser la norma en los restaurantes.
El caso es que el alcohol corre a mares en las cocinas. Este es un lugar muy propenso al alcoholismo debido a la presión y la deshidratación. Sudan profusamente.
¿Justifica la película el comportamiento descontrolado de algunos de estos personajes cuando son oprimidos, o se fija en personas imperfectas que no saben cómo manejar este tipo de situaciones por circunstancias con las que no tienen nada que ver? ¿trabajar?
Es curioso porque hay mucha gente que no sabe diferenciar entre una película pidiendo disculpas o simplemente mostrando algo y diciendo lo que está pasando. Arthur Miller dijo: “Hay que prestar atención”, porque para él esa era la tarea del drama, que era hacernos ver dónde debíamos prestar atención.
No estaba interesado en retratar a los inmigrantes como santos, que es lo que tiende a ser mucha ficción sobre ellos. No queremos dar mala impresión, porque ellos ya saben lo que pasa en política, andan comiendo perros y gatos. Hay que tener mucho cuidado para no pintarlos de forma negativa, pero creo que es contraproducente porque denigramos y pintamos una cara que no es humana.
No era algo que le interesara a Wesker y a mí tampoco. Pedro es una persona compleja y llena de defectos y fracasos. Es un juguete roto. Pero creo que puedes sentir más empatía por un ser humano que por un ángel.
En cuanto a la escena, es interesante que vuelvas al blanco y negro de tus experiencias. No es una película experimental, pero en cierto momento cambia un poco de tono y se aleja del realismo. Alguien mencionó a Robert Altman como influencia.
Siempre he visto películas en blanco y negro. Creo que me permitió describirlo como un cuento de hadas, como algo fuera del realismo. Me interesaba la atemporalidad que da el blanco y negro. No sabes exactamente en qué año está sucediendo, y el blanco y negro ayuda con esa dislocación. Es una película sobre contrastes, y el blanco y negro es más dramático, más expresionista en ese sentido.
En cuanto a los efectos, la película tiene más tomas que cualquier otra película, para ser honesto. Hemos visto mucho a un fotógrafo japonés en particular, Masahisa Fukase, y es muy violento. Sus imágenes en blanco y negro son muy expresionistas, muy bellas. Tiene muchas escenas interesantes, que también me encantan.
Hay otro que se llama Louis Stettner, y fotografió la Nueva York de los años 50 en blanco y negro, ofreciendo una mirada más allá de la postal, mucho más íntima. Y otro llamado Trent Parke; Es australiano y hace locuras con el blanco y el negro. Juan Pablo Ramírez, el director de fotografía, y yo estábamos muy interesados en ellos.
