La vida en la Tierra: arte y ecofeminismo es un poco difícil de conseguir, pero eso se debe principalmente a que su importante tema es más que suficiente para cubrir una presentación diversa pero relativamente modesta.
El ecofeminismo rechaza la idea de dominación humana sobre la naturaleza. La primera exposición en Brick, un espacio de arte independiente anteriormente conocido como LAXArt y recientemente trasladado a Western Avenue, presenta 18 obras de artistas y colectivos internacionales que abordan varios fundamentos interesantes del arte ecofeminista que se remonta a la década de 1970.
Insiste en la supremacía de los humanos sobre el mundo natural como fuente principal de destrucción ambiental. Además, la práctica está estrechamente relacionada con la aparentemente inexorable marginación social de las mujeres. ¿Recuerdas la Madre Naturaleza? Si insistimos en ver el mundo natural desde una perspectiva tan femenina, el poder sobre las mujeres es una consecuencia importante e igualmente fatal del poder sobre la naturaleza.
La parte más antigua del espectáculo puede ser una analogía del conjunto. En 1972, cuando Aviva Rahmani era estudiante en el Instituto de las Artes de California, dirigió y documentó una obra de teatro llamada Educación Física. Él y un artista llenaron una bolsa de plástico con agua del grifo y condujeron 50 millas desde una escuela suburbana en la árida Santa Clarita hasta el Océano Pacífico, deteniéndose cuatro veces en el camino para arrojar cucharaditas de agua al costado de la carretera y luego reponerlas. él. con una cucharada de tierra cada uno.
En 1972, Aviva Rahmani, estudiante de CalArts, documentó prácticas de desperdicio de agua en el sur de California.
(Christopher Knight/Los Angeles Times)
Cuando Rahmani llegó a la orilla, vaciaron la bolsa de barro en la arena y la volvieron a llenar con agua de mar. Inmediatamente lo llevó a CalArts y revirtió el proceso. Cuando llegó, tiró el agua sucia por el inodoro.
En la exposición, el retorno elemental y el ciclo básico de residuos se muestran en diapositivas proyectadas desde una bandeja automatizada en una simple pantalla independiente. Típica del arte conceptual predigital, la instalación parece personas mostrando a sus vecinos fotografías de felices vacaciones de verano. Aquí el transporte acuático adquiere una forma gloriosamente ritualista, aunque estrictamente prosaica.
Ninguna de las imágenes fotográficas individuales de “Educación Física” destaca. En lugar del carácter artístico de la obra, se incluye en la composición del montaje.
Las tomas de Rahmani no llegan a llenar la pantalla, aunque podrían proyectarse fácilmente como tomas de un viaje familiar a Disneylandia o Yosemite. Más bien, se sientan en un rincón y parpadean humildemente uno tras otro mientras la bandeja de diapositivas gira sin parar. A menudo, un espacio vacío más grande en la pantalla significa que hay mucho espacio para muchas imágenes esperando ser expuestas. Esta obra de arte con mentalidad ecológica se posiciona como un fragmento consciente de una visión del mundo mucho más amplia que debe verse como un todo y un sistema.
Cerca de allí, 50 años después, un par de fotografías documentales de gran tamaño realizadas por yétúndé olagbaju, radicado en Los Ángeles, resuenan en contra de la obra histórica de Rahmani. A la izquierda, en “Protolito: calor, presión”, se ve al artista de espaldas con una bata blanca y un pañuelo. Salen de una roca en un campo de hierba y levantan la mano como pidiendo una bendición. A la derecha, la composición es casi la misma, aunque ahora sus manos están apretadas contra una gran piedra.
Se puede ver una valla a lo lejos, lo que sugiere un paisaje cultural más que vida silvestre, mientras que un solitario poste telefónico establece que el pueblo está conectado con la sociedad mediante las comunicaciones modernas. Las fotografías ilustran perfectamente la clásica paradoja de la fuerza irresistible. ¿Qué sucede cuando una fuerza imparable choca con un objeto inamovible? ¿Puede el artista cambiar actitudes culturales profundamente arraigadas hacia el mundo natural?
¿Adivinas qué fuerza y qué objeto es una persona o una piedra en estas fotos? ¿O se pueden reemplazar?
El artista yétúnde olagbaju, radicado en Los Ángeles, realizó una ceremonia de imposición de manos en lo alto de una roca del pueblo.
(Christopher Knight/Los Ángeles Times)
Lleva algo de tiempo, pero el primer gesto de la bendición de olagbaju, seguido del toque de la piedra aparentemente invisible, cambiará tu perspectiva, y esto puede ser suficiente para crear al menos un cambio gradual. Al igual que el constante hilo de agua sobre la piedra que convierte un monolito en arena durante miles de años, el contacto humano sigue su curso.
La exposición no es una historia exhaustiva del arte ecofeminista. No hay pioneras del género como Agnes Denes, que una vez convirtió un vertedero de Manhattan en un espectacular campo de trigo urbano, y Helen Aylon, que conmemoró el fin de la Guerra Fría con artes escénicas antinucleares. En cambio, la presentación de Brick es un boceto provocativo que muestra la conveniencia de que un museo adopte una visión histórica completa del arte ecofeminista del último medio siglo.
Es también una lástima que ningún catálogo acompañara la exposición; Se dice que uno está en proceso, pero no se espera su publicación hasta el próximo año, cuando se puedan documentar e incluir nuevos encargos, instalaciones y trabajos de medios mixtos. Artspaces se ha acostumbrado a resolver estas dificultades publicando una colección en dos volúmenes: una colección principal para acompañar la inauguración de la exposición y un pequeño suplemento para registrar las incorporaciones. Pero esta práctica tradicional parece haber quedado en el camino.
Esto es una pérdida. Sí, el proceso de doble techo es más caro de fabricar. Sin embargo, en beneficio de los espectadores, debería considerarse simplemente necesario.
Aún así, Life on Earth, organizada por la curadora de Brick Kathryn Taft con las asistentes curatoriales Hannah Burstein y Cameron McDowell, logra cubrir una gran cantidad de territorio. Las contribuciones al festival PST Art: Art & Science Collide, patrocinado por Getty, son amplias tanto desde el punto de vista estético como geográfico.
En la película Riparia de la artista lituana Emilia Škarnulyte, una elegante sirena que nada en una planta de tratamiento de agua industrial se convierte en una peligrosa sirena que atrae a los desprevenidos hacia las rocas. Leslie Labovitz Starus, que ha trabajado en una granja urbana en Venecia durante décadas, exhibe poéticamente los brotes. Carolina Caicedo talla un trío de semillas gigantes (calabaza, frijol, maíz) en madera como impresionantes abstracciones escultóricas. Los vídeos proyectados de ríos y mares rugientes se combinan a la perfección con las diversas fotografías de AL Steiner sobre la mutabilidad de la raza humana, mostrando personas en un entorno de collage que empapelaba las paredes de la galería.
La fluidez describe el género y la naturaleza en la instalación fotográfica y de vídeo de AL Steiner.
(Christopher Knight/Los Ángeles Times)
La instalación de Steiner ayuda a descubrir la fuente más antigua y poderosa de la problemática combinación de naturaleza y feminidad en conceptos culturales comunes. El libro del Génesis se duplicó poco después de establecer a la Eva bíblica como el agente de la caída en desgracia en el Jardín del Edén. “Sed fecundos y multiplicaos”, vino el mandamiento, “llenad la tierra y sojuzgadla”.
Y someterlo. Mujeres domesticadas, naturaleza domesticada. Piense en ese terrible binario a medida que continúa el cambio climático, aumentan las aguas pluviales y arden los incendios forestales.
“La vida en la Tierra: arte y ecofeminismo”
Dónde: El ladrillo, 518 N. Western Ave., LA
Cuando: De martes a sábado, hasta el 21 de diciembre
Información: (323) 848-4140, www.el-ladrillo.org
